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¿Cómo Grabar una voz principal?

el abc de todo cualquier estudio, incluye la necesidad de registrar la voz humana en una canción. ¡Te damos algunos consejos!

Hay muchas maneras de grabar una voz principal, y prácticamente es imposible abarcarlas todas en este espacio. Pero, sin embargo, hay algunas reglas básicas comunes que ayudarán a la hora de registrar la voz. Así que empecemos por algunas herramientas básicas

Micrófonos:

Muchos ingenieros utilizan micrófonos de condensador para grabar las voces, pero pueden haber algunos casos en los que encuentres que un micrófono dinámico trabaje mejor. El Neuman U-87 es un clásico, pero tambiíen otros condensadores harán el trabajo correctamente, como el AKG 414 o el KR-A-25. Hay cantantes con mucha experiencia en vivo que obtiene un hermoso color y manejo del micrófono con un Sure SM-58. Algunas veces he hecho tomas con un Neuman U87 Fijo en la parte superior y un SM58 en las manos del cantante experimentado, así él mismo maneja su compresión. (alejando o acercándo el micrófono) Esta técnica solo es útil en aquellos artistas que manejar el micrófono con experticia, si no están acostumbrados, solo generaras ruidos de manipuleo y diferencias dinámicas exageradas. (salvo que le des un micrófono en la mano para que el cantante experimente la sensación de seguridad habitual). Si no estamos decididos completamente podríamos realizar una misma toma en tres pistas simultáneas con diferentes colores de micrófonos. El micrófono se suene lo más seco y fiel al color tímbrico de la la voz del cantante, será el mejor para trabajar. Una vez que este fue elegido,  concentrémonos en una buena toma y luego podremos (si fuera necesario) aplicar ecualizador y compresor a gusto, siempre como procesos posteriores a la toma original. La elección del micrófono generalmente se verá afectada por la octava en la que el cantante esté trabajando, ya que esto determinará el timbre y la textura de la voz del cantante.

Micrófonos
AKG C414
Neuman U-87
Neuman U-47
KR A-25
SURE SM 58  

¿El micrófono va arriba o abajo?:

Ckick aquí para ver el artículo de Hispasonic,

Una eterna discusión existe acerca de como colocar el micrófono para grabar la voz. Te recomendamos el siguiente artículo de Hispasonic que plantea una teoría de por qué se colgaban al revés los micrófonos. En nuestra opinión un factor muy importante para decidir la colocación desde arriba colgado o desde abajo con el soporte tiene mas que ver con la técnica vocal. Muchos cantantes tienen un caudal de voz importante que hace que las consonantes explosivas, las “P” las “T”, afecten con un gran impulso de aire al micrófono. Y si no tenemos un filtro anti pop, esto afectará la toma. Entonces SACAR EL MICRÓFONO de la linea directa de la respiración es una buena idea. También existe vocalistas que precisan para expresar emoción mover sus manos mientras cantan. Y más de una vez se me han fastidiado tomas por un golpe con el brazo sobre el soporte del micrófono. La tercer cuestión es si la persona que canta tiene que estar leyendo o no un texto o una partitura. En ese caso Hay que estar atentos a la posición de la boca al cantar. O subimos el atril o bajamos el micrófono. También hay cantantes que manejan mejor su laringe cuando miran hacia arriba y otros tienen un técnica de cabeza recta. Esto influirá en la toma.

La sutileza del instrumento:

La voz humana de un cantante principal tiene dos ejes de análisis: Por un lado es el instrumento más expresivo que existe, y las diferencias de dinámicas, matices, coloración (incluso en un mismo cantante en la misma obra), son realmente importantes para definir la personalidad del tema. Por el otro lado, una letra tiene un mensaje poético. Las palabras, aunque sean entonadas, tienen en la mayoría de los casos un significado que debe ser percibido por el área del cerebro que se encarga de la comprensión de lenguaje, mientras que la música afectará al lado opuesto del cerebro, el que se encarga de procesar la imaginación. Así es: Un tema con letra nos agita las neuronas de los dos lados. Un tema en donde la voz es instrumental solo afecta al hemisferio de la imaginación en el cerebro. Por eso hay varias cuestiones importantes que no pueden ser pasadas por alto. El balance entre la DICCiÓN y la AFINACIÓN es crucial. La musicalidad no debe ir en detrimento del mensaje textual ni al revés. Lograr ese balance es principalmente responsabilidad del intérprete, pero tenemos que recordar que el intérprete está en una ambiente diferente al habitual, y bajo situación de exámen: ¡Va a ser GRABADO!. No olvides nunca ese stress extra que sufre tu cantante.

La emoción como la perla que debemos encontrar:

La piedra filosofal de una canción es la emoción que GENERA o TRASMITE. Por más que haya una excelente técnica vocal, o un eximio ingeniero de sonido registrando la toma, si no hay emoción no hay canción. Por eso hay algunos consejos que lograrán preservar la emoción por encima de la situación de stress que implica la sesión de grabación.

1. El ambiente:

Uno de los objetivos principales es hacer que el cantante se sienta cómodo, así este podrá entregar lo mejor de sí. Asegúrate de que la luz, la temperatura y el ambiente general del habitáculo donde el vocalista está grabando sean lo más agradables posibles para él. A menos que el cantante sea el tipo de persona a la que le gusta tener la sala de control repleta de personas mientras graba, pídele a todos los que están en ella que te dejen un tiempo a solas con él para realizar las tomas. Mándalos a cenar, o dales el día libre. Dale tiempo al cantante que “caliente” su laringe, que haga los ejercicios vocales que él necesita (dale privacidad, en ese momento, porque vistos desde fuera resultan a veces un poco ridículos para quien no sabe lo que el cantante esta templando. Es como si afinara su instrumento. Necesita Silencio y concentración.

2. ¡Grabar lo que no se está grabando!:

Sí. Suena contradictorio. Pero en mi propia experiencia, en la inmensa mayoría de las sesiones de grabación de voz, nunca encontré mas emoción en una toma que no fuera la que el intérprete esta ensayando antes de grabar. Entonces: Truco de zorro viejo, le digo al cantante “vamos a pasar el tema que tengo que medir niveles, no estoy grabando!” Y entonces, el cantante se relaja, pasa el tema distendido, usando su expresión y potencia porque estoy midiendo niveles, y resulta que al no sentirse grabado, expresa más libremente sus sentimientos. ¡Pero sucede que lo estoy grabando! Entonces tengo la PRIMERA TOMA FRESCA. llena de emoción. Puede que no sea la definitiva. Pero puede ser que en el balance final, al terminar la sesión de tomas, ¡resulte que es la mas expresiva aunque no sea la más perfecta!.

3. Monitoreo:

Asegúrate que el vocalista tenga la mezcla exacta que pidió sonando en sus auriculares. Ellos necesitan escuchar lo que necesitan ellos, no lo que tu nosotros creemos que deben escuchar. Chequea el sonido de la mezcla escuchando tu mismo por los auriculares. No te fíes de los monitores de grabación para decir que es lo que el cantante está escuchando. Un poco de reverb en el monitoreo es usualmente una buena idea. Muchos cantantes, sobre todo los que están acostumbrados a espacios grandes como teatros de ópera piden mucha reverb en el monitoreo. Eso si, no grabes la reverb, que sea solamente para el monitoreo del cantante mientras canta.

4. Registrar el cansancio:

La forma de cantar significa todo para las tomas de voz, así que recomiendo pasar el tema de arriba y no parar al cantante para sobregrabar o “pinchar” muy seguido. Esto hará que suene más natural. Graba varias tomas en canales diferentes, así podrás escucharlas, elegir la mejor, y luego editarlas para conformar un solo canal. Para ello es recomendable dejar intactos los canales de voz originales hasta que armes una mezcla de voz con la que estés realmente satisfecho. Solo entonces puedes eliminar los canales de voz originales. Será muy común que el cantante se “abrume” en una canción, y su performance disminuya. En ese momento, tómate un descanso. Vayan a comer, o incluso trabajen en otra canción u otro instrumento. Retomen el trabajo luego, cuando el cantante esté más descansado. Este estará más fresco y productivo.

5. Registrar el espacio:

Asegúrate de mirar la posición exacta del cantante con respecto al micrófono, ya que seguramente este tomará algún descanso o mejorará la toma otro día. Si no marcas esta posición y anotas la configuración exacta de la consola, será bastante complicado lograr el mismo sonido cuando quieras seguir haciendo tomas. Si estás pinchando o sobregrabando una voz (cosa que será bastante frecuente), será bueno utilizar el micrófono en un diagrama polar omnidireccional. La respuesta a las frecuencias será mejor, y el sonido en general será más “abierto” o transparente. Si estás grabando una pieza sensitiva o tranquila dinámicamente hablando, asegúrate de no tomar sonidos molestos como puede ser un aire acondicionado, o un tren pasando, o un camión, etc. Este tipo de sonidos tiene mucha carga de frecuencias bajas, por lo que el switch de roll off del micrófono será algo util para evitar estos sonidos molestos. Utilizar un pop filter será una buena idea. Si no posees uno, puedes eliminar los pops haciendo que el micrófono tenga un ángulo contra la boca del cantante en lugar de que este apunte directamente ahí, pero ten cuidado de que este ángulo no sea muy grande, ya que esto puede causar una degradación en la respuesta de las frecuencias, salvo que tu micrófono trabaje en un patrón omnidireccional. Para un sonido potente de voz, trata de ubicar el micrófono a unos veinte centímetros de la voca del cantante. Para un sonido más íntimo, trata de ubicar al cantante más cerca del micrófono, pero ten cuidado con los pops y el sonido de los labios del mismo.

Aquí tienes un ejemplo de un uso super cercano del micrófono en esta grabación de Tori Amos en vivo.

Compresión y EQ:

Ya que la voz humana es uno de los “instrumentos” más dinámicos, es una buena idea utilizar un limitador para evitar picos. Pero siempre DESPUES DE HABER GRABADO. Pueden haber ocasiones en que quieras comprimir las voces utilizando un seteo de treshold (umbral) bajo, y utilizando un radio de 5:1, en lugar del normal de 3:1. Puedes intentar agregarle unos dBs cerca de los 8KHz o 10Khz, o incluso quitar algo de las frecuencias más bajas (la voz no tiene armónicos por debajo de 80 Hz). Generalmente, lo mejor es grabar las voces con la menor cantidad posible de ecualización, para poder trabajar mejor al momento de la mezcla. En este momento podrás agregar un poco más de ecualización de acuerdo al sonido final de los demás instrumentos.

Profundizando:

Si quieres ampliar un poco más tu conocimiento sobre las voces, te sugerimos la lectura de nuestro artículo:

¿Por Qué, Para Qué, y Cómo cantamos?

 

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Angel Diego Merlo

Diego Merlo es compositor, arreglador y director de orquesta. Con más de 30 años de experiencia docente en el tema, al frente del aula y como director. Técnico de sonido y Sound Designer para varias marcas internacionales. Periodista técnico con más de 900 páginas publicadas en medios gráficos. E incontables artículos publicados en formato digital. Ha resuelto más de 106 horas de post producción para cine y TV emitidas al aire. Ha participado en más de 70 conferencias y congresos nacionales e internacionales, como disertante,  sobre sus especialidades. Varios premios internacionales de composición. Es consultor de algunas universidades para la carrera de imagen y sonido. Quince años de experiencia como operador de Sonido En Espn.

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