La plantilla descrita en este artículo producirá una mezcla sólida, eso es lo que garantizo. Pero cada canción es diferente, y si solo hubiera una fórmula para mezclar un disco, cada mezcla que escucharas sonaría casi idéntica. ¡Experimenta y presiona esos botones, para eso están ahí!
Mezclar una canción es muy parecido a construir una casa: debes comenzar con una base sólida (bajo y batería), luego agregar estructuras de soporte (instrumentos de ritmo), asegurarte de que las utilidades esenciales estén en su lugar (voces e instrumentos principales), agregar paredes al marco (voces de fondo y percusión), y terminar la casa con algún tratamiento de ventanas (procesamiento de efectos).
¡Por supuesto, la analogía eventualmente se descompone! No estás usando un martillo y clavos, estás usando ecualización, procesamiento dinámico y efectos. Pero mezclar es una parte desafiante y divertida del proceso de grabación. Cuando finalmente lo clavas (¡otra metáfora del edificio!), La música salta de los parlantes.
Este artículo pretende ser un plan para ofrecer a los músicos de grabación novatos una idea de dónde podrían comenzar; de ninguna manera pretende ser un evangelio. La creatividad debe abundar durante esta etapa del juego, y aunque he proporcionado una plantilla básica, te animo a experimentar y romper las reglas.
Preparando el escenario
A los efectos de este artículo, creemos un proyecto imaginario: una sesión de 16 pistas con cuatro pistas de batería (bombo, snare y dos aéreos), un bajo, dos guitarras eléctricas rítmicas, una guitarra acústica, un teclado estéreo, una voz principal, una guitarra eléctrica principal, dos voces de coros y dos pistas de percusión. Esta es una disposición bastante común, y cubre la mayoría de los instrumentos que puedes tener que tratar en una mezcla.
Antes de comenzar tu sesión de mezcla, es una buena idea tomarse unos minutos para preparar el estudio. Si estás utilizando una grabadora independiente (a diferencia de una computadora), tendrá todas las hojas de tracking a mano para no perder tiempo valioso y energía mental tratando de descubrir qué hay en cada pista.
Además, algunos consejos sobre el orden: ¡limpia tu estudio! Si acabas de grabar, probablemente habrá mucha basura innecesaria por ahí. En mi experiencia, el ambiente influye en la calidad de la mezcla, por lo que es una buena idea asegurarse de que sea agradable. También recomiendo apagar el teléfono y pedirle a familiares y amigos que te den un poco de paz mientras trabajas.
Es una buena idea configurar algunos procesadores multiefectos antes de comenzar la sesión. Muchos ingenieros suelen configurar una reverberación de sala de tamaño mediano como ambiente general para la canción, una reverberación de placa más larga para sonidos de percusión, uno o dos delays mono para uso de ambiente, un delay multitap como efecto y un efecto de chorus para completar algunos sonidos.
Esta es una configuración bastante genérica que sirve como un buen punto de partida. Por supuesto, no podrás establecer los parámetros de estos procesadores con precisión hasta que comiences a construir la mezcla, pero al menos no tendrás que interrumpir continuamente el proceso creativo para aplicar patch en los nuevos procesadores.
Aunque la mayoría de las consolas de mezcla de hardware tienen canales de retorno de efectos dedicados, enrutar las salidas de los procesadores de efectos a los canales de entrada, si están disponibles, es más conveniente. Esto te permite aprovechar todas las características de enrutamiento y otras, por no mencionar los faders reales, que no siempre están disponibles en los retornos de efectos.
Querrás mantener buena documentación de los patch donde (de nuevo, a menos que estés usando una computadora que hace todo esto por ti). Un simple gráfico en la hoja de grabación que indica qué envío auxiliar va a qué procesador y dónde se retornan esos procesadores en la mesa de mezclas es todo lo que se necesita.
A continuación, configura algunos procesadores dinámicos. Dado que las DAW (estaciones de trabajo de audio digital) y las consolas digitales son tan frecuentes hoy en día, es probable que tengas un procesador de dinámica disponible en la mayoría, si no en todos, tus canales de mezcla. De ser así, puedes simplemente usar plug-ins cuando los necesites.
Sin embargo, si estás trabajando con una consola mezcladora analógica y tienes solo una cantidad limitada de equipo externo, tendrás que cortar algunas esquinas. Seguramente querrás aplicar un patch a un limitador o compresor en la pista del bajo para mantener su dinámica uniforme, un compresor en la pista vocal principal para suavizarla, y gates en el snare y bombos para reducir la fuga de otros tambores. Esos son los esenciales.
Después de eso, piensa dónde otras unidades a tu disposición podrían ser más útiles. Busca las pistas con los niveles más desiguales y despliega allí tus procesadores adicionales. (Las guitarras a menudo se pueden beneficiar de cierta compresión, al igual que las voces de coros).
Una discusión exhaustiva sobre el procesamiento de la dinámica podría llenar este artículo completo, ¡y los encontrarás en este sitio! Pero recuerda que la compresión/limitación puede hacer un trabajo maravilloso al reforzar una mezcla, pero si se usa mal, también puede absorber el vida de una canción al eliminar su rango dinámico.
Escuchar
La referencia adecuada es probablemente la parte más importante para lograr una combinación equilibrada. Asegúrate de estar íntimamente familiarizado con tu sistema de monitoreo, que proviene de escucharlo mucho. ¡No querrás pedir prestado el sistema estéreo de tu amigo para mezclar! Si lo que está mezclando encaja en cualquier categoría estándar, es una buena idea tener algunos CD con ese estilo a la mano para realizar comparaciones mientras trabajas.
La compatibilidad mono es otra preocupación que debe tenerse en cuenta. En la mayoría de los casos, tus mezclas serán escuchadas en un entorno que no proporciona imágenes estéreo perfectas. Y si tienes la suerte de estar mezclando un proyecto que eventualmente va a recibir transmisiones radiales, debes recordar que la mayoría de las estaciones de radio no transmiten en estéreo real.
Por lo tanto, tu mezcla debe sonar bien tanto en mono como en estéreo. Para garantizar esto, simplemente presiona el botón «mono» de vez en cuando para asegurarte de que nada se cancela. El secreto para una buena compatibilidad mono es usar los efectos con moderación y con cuidado.
¿Por qué los efectos suelen ser los culpables de los problemas de mono incompatibilidad? La respuesta radica en su tecnología. Muchos efectos de bajo costo (y, para ser justos, muchos de los más caros de la época anterior) generan estéreo en algunos o en todos sus algoritmos al tomar la salida húmeda y panoramizarla hacia la izquierda, y tomar una versión de fase invertida de la parte mojada y panearla extremadamente, ¿verdad? Esta inversión de fase da un sonido muy abierto y espacioso, pero cuando los dos lados se suman, se anulan mutuamente. Poof!!!, sin efectos. Esta es la razón por la cual muchos procesadores anuncian una salida de «estéreo verdadero»; no deberían tener este problema y quieren que lo sepas.
Para todo lo demás, necesitas modificar tus retornos para evitar que tus efectos lo hagan. Prueba sutiles diferencias de L/R en las configuraciones de EQ o demora un retorno frente al otro, o divide un retorno de efectos mono con un patchbay mult y envíalo a ambos lados de la mezcla. No es un problema sin solución.
En general, solo es una buena idea hacer pequeños ajustes en las pistas mientras están soleadas. Si bien es probable que puedas hacer que el sonido de una pista sea excepcional por sí solo, es posible que no se sienta bien con los otros instrumentos una vez que se hayan incorporado a la mezcla. Para ello, intenta realizar todos los ajustes posibles mientras escuchas la pista en contexto con el resto de los instrumentos.
Finalmente, y este es probablemente el consejo más importante que impartiré en este artículo: toma descansos periódicamente para que tus oídos puedan descansar. Es imperativo que concentres toda tu atención en la mezcla mientras trabajas en ella, pero es igualmente importante que despejes la cabeza de vez en cuando. Una nueva perspectiva es primordial para lograr una combinación uniforme de instrumentos.
Ahora estás listo para mezclar. A algunos ingenieros les gusta construir sus mezclas alrededor de la voz principal, especialmente si la canción es una balada. Sin embargo, rara vez uso este enfoque. Siempre y cuando haya dejado suficiente espacio libre, no debería tener problemas para colocar la voz en la mezcla más tarde. Cuando construyo una mezcla, siempre comienzo con el bombo y el bajo.
Paso 1: La base
Existe una sinergia importante entre las pistas de bombo y bajo. Juntos, estos dos instrumentos forman la columna vertebral de la mayoría de las canciones y constituyen la mayor parte del contenido de gama baja de la mezcla.
Diferentes ingenieros tienen diferentes ideas sobre dónde comenzar; algunos prefieren comenzar con la voz principal, otros prefieren comenzar con la batería. Me gusta sacar primero la pista de bajo y escuchar atentamente el sonido natural del instrumento sin procesar nada. (Por supuesto, esto es importante para hacer con cada pista).
¿Qué frecuencias faltan? ¿Cuáles son demasiado prominentes? Dependiendo del instrumento, a menudo se puede lograr un sonido de graves sólido usando los siguientes ajustes de EQ: agrega 3 dB alrededor de 80 Hz, otros 3-6 dB a 220 Hz, atenúa todo lo que esté por encima de 3 kHz con un filtro de estantería (Shelf), y atenúa todo abajo 50 Hz. Para un sonido más potente, aumenta entre 1 y 2 kHz en lugar de a 220 Hz. Por supuesto, hay muchas otras formas de obtener un bajo, pero este es un buen punto de partida.
A menos que hayas sido agraciado con una pista de bajo increíblemente bien ejecutada, es probable que desees emplear algún procesamiento de dinámica. Si la dinámica de la pista es superior, debes intentar mantener esa integridad en la mezcla. Es probable que desees utilizar un limitador en la pista, con el umbral configurado para capturar cualquier picos transitorios (por ejemplo, ruido de traste, saltos, etc.).
Por otro lado, la mayoría de las pistas de bajo generalmente se pueden beneficiar de cierta compresión. Como punto de partida, prueba ratio de 3: 1 y aumenta gradualmente según sea necesario. Establece el umbral alrededor de 3-6 dB por debajo del pico, y ajusta los ajustes de ataque y liberación de acuerdo con el tempo de la canción. Si tienes ambas disponibles, intenta usar un compresor y un limitador. Inserta el limitador después del compresor y establece el umbral para atrapar cualquier pico transitorio. Coloca siempre el bajo en el centro de la mezcla.
El bombo también se coloca en el centro de la mezcla, y es el instrumento que traigo a continuación. Las frecuencias centrales de un bombo son típicamente de 80 Hz y 120 Hz. (Por cierto, la región de 80 Hz es donde se encuentra la frecuencia de resonancia del torax humano, por lo que a menudo podemos sentir el golpe sordo de un bombo en un sistema de monitoreo fuerte).
Dependiendo del sonido natural de tu pista de bombo, querrás aumentar o atenuar estas dos frecuencias para que quede bien con los graves. Si deseas escuchar más sobre el «clic» asociado con el pedal golpeando la cabeza, necesitarás aumentar alrededor de 1 kHz o más.
Es importante escuchar el bombo en relación con el bajo. Debido a que mucha de la energía en ambas pistas a menudo reside en el rango de 80-120 Hz, tendrás que tomar algunas decisiones. Ningún instrumento debe oscurecer al otro. Si deseas que el bombo sea más prominente, corta las frecuencias correspondientes en el bajo. Si el bajo debe ser más prominente, corta algo del golpe del bombo.
Si puedes, aplica una gate en el bombo para eliminar o al menos reducir el sangrado de los otros tambores. Al establecer el umbral, asegúrate de que la gate no se abra accidentalmente durante, por ejemplo, un golpe de snare fuerte. También proyectaría una pequeña reverberación de sala en la pista del bombo, no mucho, pero lo suficiente como para hacer que la pista suene convincente.
Si no tenías micrófonos de sala durante la sesión de grabación, reproduce la pista del bombo en solo a través de un altavoz en un extremo de la sala de grabación y coloca un micrófono en el otro extremo. O simplemente puedes usar una unidad de reverberación.
A veces es casi imposible hacer que la pista del bombo suene tan bien como te gustaría. En estos casos, puedes considerar el uso de un bombo muestreado, disparado desde tu pista original. Simplemente conecta tu pista de bombo existente a una salida que pueda enrutarse a la entrada de activación de una muestra. Regresa la salida de la muestra a la entrada de un canal en tu mezclador/DAW, y habilita la grabación de una nueva pista. Luego selecciona una muestra apropiada y presiona Grabar. Cuando hayas terminado, elimina la vieja pista de bombo. Si tienes un plug-in de software de reemplazo de muestra moderno como Toontrack Superior Drummer 3, Wavemachine Labs Drumagog o Slate Digital Trigger, este proceso puede ser perfecto y producir resultados agradables.
Una vez que tu canción tiene la columna vertebral que necesita, puedes comenzar a traer los otros elementos del kit de batería, comenzando con el tambor. Me esfuerzo por un sonido de caja nítido pero con mucho cuerpo. Intenta ajustar alrededor de 1 kHz para acentuar el ataque, alrededor de 240 Hz para sacar el cuerpo, y en algún lugar alrededor de 3 kHz para el chasquido de los tambores. Si deseas agregar algunos ataques a la pista, aumenta 80-120 Hz en aproximadamente 3 dB.
Es normal cerrar la pista de la caja con una gate al igual que la pista del bombo, pero es probable que no puedas sacar todos los hi-hats, lo cual no está mal, porque la mezcla de los distintos tambores es lo que hace que ellos sean reales Si no deseas que se produzca mucho ataque desde la pista de tu caja, una ligera compresión (2: 1 o 3: 1) puede hacer que el sonido del tambor sea más plano y más lleno.
La reverberación en el tambor es primordial. Si tienes suficientes recursos o DSP para configurar una reverberación de caja discreta, hazlo. El tipo de reverberación que selecciones dependerá de la canción, pero las reverberaciones gated, las placas y las reverberaciones de sala grandes y pequeñas son comunes.
Si no puedes configurar una reverberación por separado, usa una combinación de las reverberaciones de sala y placa que configuraste anteriormente. Juega con ambos niveles hasta que obtengas la combinación correcta. Recuerda que aunque la reverberación puede sonar bien ahora solo con las pistas kick, snare y bajo, probablemente necesites ajustarla más adelante una vez que hayas agregado los otros elementos de la mezcla.
Un sonido de caja pobre también se puede arreglar durante la mezcla. Sin embargo, evitaría usar una muestra porque la mayoría de las pistas de captura son demasiado complejas para producir una replicación electrónica convincente.
Finalmente, deberás tratar las pistas de los aéreos de la batería. No existe una plantilla de EQ específica que se aplique a cada batería, pero es probable que desees cortar un poco a 1 kHz, donde reside la caja, y rodar por debajo de 90 Hz para evitar la acentuación del bombo. Aparte de eso, puedes aumentar o cortar por encima de 5 kHz para ajustar el brillo de los platillos (más de 9 kHz para la sibilancia) y en los medios más bajos (150-880 Hz) para ajustar la presencia de los toms.
Si bien puedes panear estas pistas a la izquierda y a la derecha, no es una mala idea mantener todo cerrado de alguna manera para mantener las cosas mono compatibles. Prueba una posición panorámica de aproximadamente las ocho en punto y las cuatro en punto. Un toque de reverberación de sala probablemente también esté en orden para los aéreos, dependiendo de la sala en sí.
Paso 2: Estructura
Si tieneS dos pistas de guitarra eléctrica rítmicas (como en el caso de nuestro proyecto imaginario), colócalas una frente a la otra en el escenario sonoro, quizás tan lejos como las siete y las cinco en punto. Esto crea un sonido de guitarra realmente poderoso. Si solo tienes una pista de guitarra para trabajar, puedes crear el mismo efecto utilizando un breve delay mono y panearlo frente a la pista fuente.
Las guitarras generalmente se pueden beneficiar de un ecualizador de rango medio, en algún lugar en el rango de 2-3 kHz. La nitidez de la pista se puede encontrar alrededor de 6-8 kHz, así que ajusta en ese rango en consecuencia. Es posible que también desees agregar un poco de gama baja, digamos alrededor de 160-300 Hz, para sacar algo de calidez. Solo ten cuidado de no pisar la pista de bajo.
Casi siempre querrás comprimir guitarras eléctricas en una proporción bastante alta (entre 4: 1 y 10: 1). Solo ten en cuenta que algunos amplificadores y muchas pedaleras incluyen un compresor integrado, y el guitarrista podría haber grabado la pista con él (sin mencionar la compresión utilizada durante la grabación), así que no te excedas y aplanes completamente la dinámica de la pista. .
Del mismo modo, la pista probablemente se grabó con algunos amplificadores con reverberación. Agrega un poco de la reverberación de la habitación al ambiente, pero no demasiado.
Las guitarras acústicas dan un movimiento a la canción, especialmente en melodías uptempo con rasgueo rápido. Para acentuar esto, necesitarás aumentar las frecuencias superiores (entre 6 y 10 kHz). Probablemente puedas bajar todo lo que esté por debajo de 140 Hz; allí no existe mucho más que retumbos y otros ruidos no deseados.
También es probable que haya algo de compresión suave aquí. Mi preferencia es no usar nada superior a un radio de 4: 1. Deberás enrutar esta pista a través de la reverb de tu sala (o tal vez la reverberación de placa, si la canción lo justifica). Aplica más reverberación en acústica que en las guitarras eléctricas.
En general, deseas equilibrar la mezcla de manera uniforme entre los altavoces izquierdo y derecho. Un montón de movimiento que ocurre en un lado y no en el otro hará que la mezcla suene asimétrica. Escucha con cuidado lo que hace cada instrumento y trata de mezclarlos para que tengan una buena cantidad de movimiento rítmico en cada lado de la mezcla.
La mayoría de los ingenieros suelen desplazarse por la pista de la guitarra acústica, opuesta al extremo superior del teclado del piano o frente a alguna percusión en movimiento (por ejemplo, shaker, pandereta, etc.). Esto equilibra la mezcla en términos de contenido de frecuencia superior y movimiento rítmico.
Para una canción más acústica, es posible que desees extender la guitarra acústica de izquierda a derecha (utilizando la técnica de doblaje descrita anteriormente) y mantener la(s) pista(s) de ritmo eléctrico cerca del centro de la mezcla. Esto acentúa el rendimiento acústico más que el eléctrico. Por supuesto, en una canción solo acústica, acerca la guitarra acústica al centro.
En estos días, es probable que las pistas de tu piano hayan sido producidas por un módulo de sonido o un plug-in de instrumentos virtuales. Si es así, realmente no deberías tener mucho trabajo por hacer (siempre que las muestras utilizadas fueran de una calidad decente). Intenta cortar todo lo que esté por debajo de 120 Hz suavemente para que el piano no choque con el bajo o el bombo. También es posible que desees impulsar todo por encima de 6 kHz con un ecualizador de shelving para acentuar el ataque clave. Y mientras lo haces, agrega un rango medio (2-3 kHz) para presencia.
Mi preferencia es hacer una panorámica del piano bastante ancha en el ecenario sonoro, aunque no tan amplia que no sea creíble. (¿Cuándo fue la última vez que viste un piano de 12 metros?) Suelo colocar la pista con las teclas inferiores del piano bastante cerca del centro, por ejemplo, a las once o una en punto, y la pista con las teclas superiores hacia un lado , digamos a las siete o las cinco en punto. Esto mantiene las frecuencias más bajas del piano bastante cerca del centro, donde se propagarán más uniformemente, y te permite colocar las teclas superiores desde otro instrumento de percusión (por ejemplo, la guitarra acústica) para que la mezcla esté equilibrada.
Paso 3: Potencialo hasta…
Las voces son algunos de los temas más difíciles de tratar en una mezcla. Aceptémoslo: las voces son las que venden la canción. Las voces principales casi siempre se ubican en el centro de la mezcla en el punto focal. Dependiendo del intérprete, esta pista probablemente requiera una buena compresión. Comienza con un radio de aproximadamente 3:1 y trabaja hacia arriba desde allí.
Los cantantes masculinos y femeninos tienen diferentes cualidades tonales en sus voces, y cada uno debe tener una EQ diferente. Para un cantante masculino es probable que debas cortar algunas frecuencias más bajas (120-300 Hz) para evitar estallidos. Por el contrario, una voz femenina generalmente puede beneficiarse si agregas un poco en este rango. Ambos requieren típicamente un aumento/ atenuación del rango medio (2-3 kHz), dependiendo del micrófono que se utilizó durante la grabación. Asegúrate de que la pista tenga suficiente claridad en los medios superiores, aunque no tanto que cree sibilancia.
El tipo de canción que estés mezclando dictará los efectos que uses en la voz principal. Lo más importante que debes recordar es que la mezcla debe sonar natural. Si estás produciendo una melodía de polca, es probable que una reverberación de sala pesada no sea apropiada.
Probablemente querrás colocar una pequeña reverberación de sala a través de la voz para enfocar la pista con el resto de la mezcla. Luego, dependiendo de la naturaleza de la canción, utiliza una reverberación de placa, un delay multitap o un único efecto de delay (es decir, la infame «voz de Elvis»), o con bastante frecuencia una combinación de los tres. Juega hasta obtener una mezcla decente.
Otros instrumentos lideres, como las pistas de guitarra principales, generalmente se colocan cerca del centro de la mezcla, aunque no exactamente a las 12 en punto. Las pistas de guitarra eléctrica se tratan de la misma manera que las pistas de ritmo eléctrico (en términos de ecualización, compresión, etc.). Intenta agregar un pequeño delay de tap a tu pista de guitarra principal, y ajusta el tiempo de delay según el tempo de la canción.
Paso 4: El reparto de apoyo
Hay dos tipos de voces de fondo: armonías individuales (generalmente una octava por encima de la voz principal) y arreglos complejos (que implican varias armonías de tono variable). El primero se trata como una pista vocal principal y se procesa en consecuencia, por lo general se desplaza (panea) un poco fuera del centro.
Si tienes varias armonías funcionando a la vez, puedes considerar panoramizarlas a través del escenario para crear un «muro de voces». Procesa estas pistas como cualquier otra pista vocal, pero apriételas un poco más de lo que harías con una voz principal . También intenta agregar algunas frecuencias altas (más de 9 kHz) para crear un efecto «aireado» para la disposición. Agrega un poco de reverberación, pero no uses tanto como lo harías con una voz principal.
Con la percusión manual, querrás acentuar las frecuencias de rango medio superior. Panderetas, shakers, guiros, claves y similares generalmente se benefician de algún EQ aditivo entre 5 y 7 kHz. Los shakers en particular también pueden usar un impulso de alrededor de 10 kHz. Corta todo lo que esté por debajo de 240 Hz, ya que no es necesario para estos instrumentos.
Una vez más, intenta equilibrar la percusión con el resto de la mezcla, prestando especial atención a cómo tienes el kit de batería panoramizado. Si tu sección de percusión consiste en un solo instrumento como una pandereta, querrás mantenerla bastante cerca del centro de la mezcla, tal vez a las once en punto o a la una en punto.
Las congas y otros tipos de tambores deben tratarse de manera similar a los toms. Busca la frecuencia de resonancia del instrumento y determina si necesita ser reforzado o cortado. Puedes aumentar un poco el extremo bajo para agregar un cuerpo o un rango medio superior para obtener más ataque.
Tal vez un poco de compresión está en orden? Y no te olvides de enrutar estas pistas a través de la reverberación de sala.
Paso 5: Los toques finales
Los retornos de efectos estéreo casi siempre se panoramizan a diestra y siniestra, simplemente porque no se quiere comprometer la imagen estéreo del efecto en sí. Los efectos mono se devuelven al centro de la mezcla (por ejemplo, una voz principal doblada) o a una ubicación específica en el escenario sonoro (por ejemplo, un delay a las dos en punto frente a la pista fuente a las diez en punto).
En general, una buena compresión en tu mezcla final es una buena idea. Por supuesto, no deseas exagerar, teniendo en cuenta que el ingeniero de masterización probablemente agregará compresión más adelante, pero solo un poco (una proporción de 2:1) puede allanar cualquier discrepancia de nivel con la que no quieras tratar en las fuentes. Pero recuerda agregar esto en un bus auxiliar. Mantén tu Bus Master limpio.
Si tienes un sistema de automatización, ¡úsalo! Muchas pistas son estáticas y no necesitan ningún ajuste durante la mezcla. Pero otras, específicamente las pistas principales, probablemente requieran algunos ajustes. No hay nada más aburrido que una mezcla estática.
Si estás trabajando en un DAW que ofrece una edición de automatización, la manera más fácil de automatizar tus pistas es escuchar cada sección de la canción y determinar el nivel óptimo para la pista en varios puntos de referencia. Luego dibuja los valores correspondientes para el volumen de la pista. La misma técnica se aplica a la automatización de la configuración de paneo.
Si no tienes el lujo de automatizar tu mezcla y guardar su configuración de esa manera, puedes hacer lo siguiente: toma fotografías de la consola y de todas las unidades externas para cada mezcla. Esta técnica ha sido un regalo del cielo en más de una ocasión.
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